Kursus-kursus seni rupa Open College of the Arts memberi penekanan pada praktik menggambar sebagai cara mengeksplorasi, bereksperimen, dan mengasah keterampilan Anda sebagai seniman di media dan galeri pilihan Anda. Dalam artikel ini kita melihat sejarah menggamba dan sebagai praktik dan bentuk seni dengan sendirinya.

Sejarah Awal Menggambar

Dalam melihat sejarah seni secara umum dan menggambar pada khususnya, kita akan kembali ke contoh paling awal. Gambar-gambar pertama yang diketahui adalah lukisan gua, yang paling terkenal (meskipun tidak harus yang tertua) di antaranya adalah lukisan di Lascaux, Prancis. Contoh-contoh awal pembuatan tanda jelas dirancang untuk mengkomunikasikan pesan, tetapi kualitas estetika komunikasi ini secara transparan ditunjukkan dalam tanda paling awal, tidak hanya dalam lukisan gua, tetapi juga dalam simbol yang diproduksi di Mesopotamia (sekarang Irak), dan kemudian di Mesir dan Cina. Dalam masyarakat non-Barat seni, kaligrafi dan kerajinan selalu terjalin, dan menggambar sebagai komunikasi adalah sesuatu yang universal, dan melalui sejarah tetap menjadi alasan konstan untuk mengambil alat pembuatan tanda. ‘Alasan’ untuk menggambar selama berabad-abad, perjuangan dengan konvensi menggambar dan gaya, meskipun tidak tetap statis, masih relevan di abad ke-21. Ada hari ini, kebangkitan minat dalam menggambar, dan pemeriksaan ulang peran menggambar, dan sejarah menggambar, di bidang seni.

Penemuan kertas, dan menggambar sebagai alat

Tahap selanjutnya dalam sejarah menggambar dimulai dengan penemuan substratnya yang paling umum; kertas. Tidak sampai sekitar tahun 1300 kertas itu seperti yang kita tahu itu ada dan tidak sampai sekitar tahun 1500 kertas gambar dibuat. Sebelum itu, konsep ‘sketsa’ atau gambar awal tidak ada. Seniman / pengrajin yang bekerja dari Byzantium hingga dunia abad pertengahan menghasilkan gambar untuk kemuliaan Tuhan, menggunakan konvensi yang didasarkan pada geometri sederhana, dan bekerja secara langsung ke papan atau perkamen yang disiapkan secara khusus, menggunakan copybook dan gambar yang dibawa turun melalui usia. Abad ke-15 adalah masa perubahan dramatis dengan dimulainya Renaissance. Penemuan kembali seni klasik, minat baru dalam sains, pengembangan perlindungan artistik, dan peran baru seniman sebagai profesi adalah faktor kunci yang mendorong ekspansi besar dalam konsep menggambar. Alih-alih menjadi keterampilan kerajinan, menggambar menjadi alat untuk menyelidiki dunia alami, dan yang paling penting cara seniman mengekspresikan pandangan mereka sendiri tentang dunia di sekitar mereka. Gambar menjadi alat untuk desain dan eksperimen, dan dengan munculnya sistem untuk menggambarkan dunia tiga dimensi: perspektif linear, kemudian di abad ke-15, batas-batas gambar meluas secara fenomenal. Leonardo Da Vinci dan Michelangelo mendorong gambar ke arah deskripsi dan visi alam, membedah tubuh untuk menyelidiki detail tulang dan otot di bawah kulit manusia. Brunelleschi menggunakan gambar untuk merancang arsitektur baru yang paling luar biasa, menggunakan sistem perspektif barunya, sementara seniman Renaissance Pisanello menciptakan gambar-gambar indah dari binatang yang berdiri di kanan mereka sendiri sebagai karya seni.

Pengenalan aturan dan pendekatan yang beragam

Pada tahap ketiga ini dalam sejarah menggambar, kita melihat pengenalan aturan untuk disiplin. Selama abad keenambelas dengan kebangkitan akademi, pelatihan menggambar menjadi kaku, dan seniman peserta pelatihan diminta untuk menyalin patung klasik dan karya seniman lain untuk belajar cara menggambar. Formula yang diresepkan untuk ekspresi wajah dan tubuh dan ‘aturan’ untuk menggambarkan orang sangat ketat dan dikendalikan oleh pertengahan abad ke-17, seperti yang dicontohkan di Akademi Prancis. Pada abad ke-18 terjadi pemberontakan melawan ketatnya akademi dan banyak seniman dengan antusias mengadopsi lisensi gaya yang lebih lembut dan lebih bebas yang disediakan oleh gerakan Romantis dalam seni. Pada abad ke-19 ada dua aliran praktik seni yang pasti, dicontohkan dalam gambar dan lukisan Ingres (karya klasik yang sangat dibuat-buat) dan Courbet: naturalistik, yang ingin menggambarkan realisme keras dunia dan bekerja langsung dari alam. Ini adalah awal dari langkah menuju diversifikasi yang jauh lebih besar dalam pendekatan menggambar, meskipun pendekatan akademi yang kaku bertahan hingga abad ke-20 bersamaan dengan banyak pendekatan yang lebih inovatif untuk menggambar (dan melukis).

Reformasi tidak merata tetapi gigih, pemisahan Wina mendorong beberapa reformasi dalam pelatihan seni: sepanjang kampanye Egon Schiele dan Gustav Klimt, yang karyanya yang menakjubkan masih populer hingga saat ini. Gambar-gambar keduanya sangat berbeda dari sekadar tentang pengamatan dan penyalinan. Gambar mereka adalah tentang ekspresi, perasaan, patologi pribadi. Pada saat ini, menggambar dapat digunakan untuk membantu ekspresi perasaan pribadi, atau memiliki berbagai tujuan lainnya. Penemuan dan penyebaran populer fotografi memiliki efek mendasar pada gambar seniman. Kebutuhan untuk menyalin ‘kenyataan’ telah berkurang, kamera dapat melakukan itu. Kaum impresionis khususnya bereksperimen dengan berbagai media gambar, yang sebelumnya disukai. Arang, tinta, grafit menjadi mata uang umum untuk menggambar. Sekarang kertas tersedia dalam ukuran yang jauh lebih besar, dan dengan munculnya abstraksi di awal abad ke-20, peran menggambar ditantang lagi, sehingga ‘pembuatan tanda’ dari segala jenis menjadi terhormat, dan proses menggambar menjadi sesuatu yang menarik, bukan hanya output.

Manusia diciptakan sebagai makhluk yang paling sempurna, bukan hanya karena anatomi tubuh dan perkembangan genetiknya yang sempurna, manusia dilengkapi dengan pikiran yang membuat mereka mampu bertahan hidup di bumi walaupun dalam situasi yang sulit, karena alasan yang memaksimalkan keterampilan mereka. Salah satu hal yang ada bukti untuk memaksimalkan kapasitas nalar adalah keberadaan seni. Prinsip-prinsip seni rupa ditemukan dan dikembangkan dengan alasan yang diberikan oleh Tuhan.

Karya seni adalah pemikiran manusia yang mencintai keindahan, dan antara yang dimiliki oleh orang lain selera seni yang berbeda. Meski jenisnya berbeda, tetapi semua manusia sepakat bahwa suatu karya seni dapat dikatakan memiliki nilai estetika (nilai artistik) ketika melengkapi unsur-unsur yang terkandung di dalamnya.

Apa saja elemen yang memiliki karya seni? Ini termasuk hal-hal seperti ini, bentuk, bidang, garis, warna, tekstur, pencahayaan bahkan menjadi elemen artistik dari karya itu sendiri. Semua elemen ini saling mendukung dan akhirnya membentuk karya seni paten, tanpa salah satu unsur karya seni ini tidak dapat dikategorikan sebagai karya seni dengan nilai estetika tinggi. Selain unsur seni, dalam pembentukan suatu bentuk karya teknis juga membutuhkan sejumlah prinsip dasar, apa prinsip dasar yang akan mendukung pembentukan seni tersebut?

Sebelum membahas poin-poin secara rinci, akan lebih baik jika kita membahas pengertian prinsip-prinsip seni itu sendiri. Jadi yang dimaksud dengan prinsip-prinsip seni adalah beberapa prinsip dasar yang mendukung semua elemen (yang telah disebutkan di atas) maka elemen-elemen ini digabungkan dalam sebuah karya yang memiliki nilai artistik. Secara umum, berbagai prinsip dasar dalam seni rupa dibagi menjadi 8, termasuk gradien, komposisi, persatuan, penekanan, harmoni, proporsi, keseimbangan, dan ritme. Untuk detailnya, lihat yang berikut ini:

1. Kesatuan

Bahasa Inggris, Unity adalah prinsip yang mendukung bagaimana salah satu elemen dan elemen lainnya bergabung secara harmonis untuk menciptakan komposisi seni yang indah juga menarik perhatian mata. Jika dibandingkan dengan prinsip-prinsip seni rupa lainnya, prinsip persatuan adalah modal awal yang dibutuhkan manfaat dari beberapa prinsip lain untuk menciptakan karya seni dengan nilai estetika tinggi sebagaimana mestinya.

2. Keselarasan

Sementara itu, katakanlah suatu karya seni itu indah dan memiliki nilai estetika, yang harus diperhatikan adalah unsur-unsur satuan karya gabungan dalam harmoni dan harmoni. Yang dimaksud dengan keharmonisan itu sendiri adalah kedekatan antara suatu unsur dan lainnya yang berbeda satu sama lain, baik dalam penerangan, bentuk, bahkan pemilihan warna saja memiliki peran penting dalam membangun keindahan.

3. Penekanan

Kontras atau penekanan adalah prinsip yang menjadi dasar perbedaan cetak dari dua elemen yang bersifat saling bertentangan dan berdekatan satu sama lain. Dengan prinsip penekanan, akan ada karya seni yang terlihat segar dan baru, tidak membosankan dan membosankan. Mengingat perbedaan yang signifikan dalam kedua warna, representasi bentuk dan ukuran karya itu sendiri, akan memberikan yang jauh lebih menarik.

4. Irama

Yang dimaksudkan dengan rythm adalah sebuah prinsip yang mengambil tempat sebagai dasar atas pengulangan satu atau mungkin lebih unsur dengan cara yang teratur. Untuk jenis pengulangan unsur-unsur seni rupa yang diatur itu sendiri bisa beraneka macam jenisnya, baik itu sekadar variasi warna, perbedaan garis dan juga variasi bentuk yang beragam namun tetap diulang dengan teratur dan terstruktur.

Sekalipun pengulangan yang begitu-begitu saja akan terlihat sangat statis dan begitu-begitu saja, tetapi jika pengulangannya dilakukan dengan variasi yang bagus maka akan memberikan nilai estetika yang lebih tinggi dan irama harmonisnya yang kuat.

5. Gradasi

Kata yang satu ini memang sudah agak familiar di telinga masyarakat, akan tetapi kebanyakan juga tak paham betul mengenai penjelasan detail mengenai salah satu prinsip penting dalam karya seni rupa ini. Untuk gradiasi itu sendiri adalah sebuah susunan warna yang berdasar pada beberapa tingkatan khusus dalam sebuah karya seni.

Gradiasi warna memang tak melulu dipakai dalam menciptakan sebuah karya seni rupa, akan tetapi jika melihat karya seni yang berupa karikatur, mozaik, lukisan serta berbagai seni rupa 2D lainnya, maka kita akan melihat betapa gradiasi warna memiliki andil besar untuk menciptakan karya-karya seni indah tersebut. Dengan adanya gradiasi akan membuat sebuah karya seni menjadi jauh lebih hidup dan bermakna.

6. Kesebandingan

Kesebandingan yang juga sering disebut sebagai proporsi merupakan sebuah prinsip seni rupa yang memiliki acuan pada keteraturan serta penyesuaian dari bentuk fisik karya seni rupa yang telah diciptakan. Contohnya saja adalah saat seorang seniman ingin melukis seorang gadis cantik dan juga jelita, maka seniman tersebut harus benar-benar pandai dalam menyeimbangkan proporsi indera yang ada di dalam muka, contohnya saja ukuran mata, ukuran mulut bahkan alis serta dagu pun harus diukur dengan sangat detail. Demikian pula dengan pembuatan karikatur, setiap ukuran-ukuran dari berbagai unsur seni rupa yang ada di dalam karikatur tersebut harus dalam ukuran atau perbandingan yang proporsional.

7. Komposisi

Prinsip dasar sebuah karya seni rupa lainnya adalah komposisi, peranannya dalam membentuk sebuah karya seni rupa adalah sebagai dasar dari keindahan. Sebuah karya seni tak bisa dikatakan indah, serasi, teratur dan juga menarik tanpa memiliki komposisi seni yang tepat. Memang tiap seniman memiliki selera yang berbeda-beda dalam pandangan serta takaran yang berbeda-beda pula dalam bahasan komposisi ini, tetapi hasil akhirnya tak perlu diragukan lagi karena setiap penikmat seni bisa merasakan komposisi yang telah dipadukan sedemikian rupa oleh si pencipta karya tersebut.

8. Keseimbangan

Prinsip dasar karya seni yang terakhir adalah keseimbangan atau dikenal juga sebagai balance. Prinsip dasar yang satu ini memiliki tanggung jawab terhadap kesan yang tercipta dari sebuah susunan unsur-unsur seni rupa. Jika seorang seniman pandai mengatur keseimbangan unsur-unsur seni rupa yang tengah ia kerjakan, maka akan muncul sebuah daya tarik khusus bagi para penikmat seni yang melihat karya seni tersebut.

Demikian adalah delapan jenis prinsip prinsip seni rupa yang paling mendasar untuk membentuk sebuah karya seni rupa yang bernilai seni tinggi. Semakin halus perasaan seorang perupa, semakin peka pula ia terhadap prinsip-prinsip seni rupa yang telah disebutkan di atas. Tanpa perlu melihat catatan dan mengurutkan satu per satu unsur seni rupa sekalipun, ia sudah bisa menciptakan karya seni yang membuat penikmat seni berdecak kagum.

Memang tidak mudah untuk menjadi seorang seniman, hobby dan rasa suka untuk melakukannya saja tak akan cukup untuk menjadi modal sebagai seniman yang dicintai seluruh bumi, maka karena itu untuk memulai langkah menjadi seniman yang peka dan memiliki selera seni yang sangat tinggi, mulailah dengan mempelajari kedelapan prinsip dasar seni rupa tersebut dengan terperinci dan pelan-pelan.

Baca juga : Tips Melukis / Mengecat Rumah Anda

Menjadi seniman bukanlah pekerjaan yang sia-sia, masyarakat kalangan atas justru berani mengeluarkan uang untuk mendapatkan barang yang bernilai sangat berharga. Maka karena itu, jika para ibu melihat adanya bakat si kecil pada dunia seni, jangan dikekang, justru bebaskan ia untuk mengeksplorasi semua bakat dan memanggil kemampuan tersembunyinya. Jika orang tua mendukung penuh atas apa saja yang dilakukan oleh anaknya, maka si anak akan merasa lebih dihargai dan dipercaya, sehingga ia bisa membebaskan pikirannya untuk menciptakan sesuatu yang menjadi masterpiece.