Sejarah Seni Lukis Dalam 3 Bagian
Kursus-kursus seni rupa Open College of the Arts memberi penekanan pada praktik menggambar sebagai cara mengeksplorasi, bereksperimen, dan mengasah keterampilan Anda sebagai seniman di media dan galeri pilihan Anda. Dalam artikel ini kita melihat sejarah menggamba dan sebagai praktik dan bentuk seni dengan sendirinya.
Sejarah Awal Menggambar

Dalam melihat sejarah seni secara umum dan menggambar pada khususnya, kita akan kembali ke contoh paling awal. Gambar-gambar pertama yang diketahui adalah lukisan gua, yang paling terkenal (meskipun tidak harus yang tertua) di antaranya adalah lukisan di Lascaux, Prancis. Contoh-contoh awal pembuatan tanda jelas dirancang untuk mengkomunikasikan pesan, tetapi kualitas estetika komunikasi ini secara transparan ditunjukkan dalam tanda paling awal, tidak hanya dalam lukisan gua, tetapi juga dalam simbol yang diproduksi di Mesopotamia (sekarang Irak), dan kemudian di Mesir dan Cina. Dalam masyarakat non-Barat seni, kaligrafi dan kerajinan selalu terjalin, dan menggambar sebagai komunikasi adalah sesuatu yang universal, dan melalui sejarah tetap menjadi alasan konstan untuk mengambil alat pembuatan tanda. ‘Alasan’ untuk menggambar selama berabad-abad, perjuangan dengan konvensi menggambar dan gaya, meskipun tidak tetap statis, masih relevan di abad ke-21. Ada hari ini, kebangkitan minat dalam menggambar, dan pemeriksaan ulang peran menggambar, dan sejarah menggambar, di bidang seni.
Penemuan kertas, dan menggambar sebagai alat

Tahap selanjutnya dalam sejarah menggambar dimulai dengan penemuan substratnya yang paling umum; kertas. Tidak sampai sekitar tahun 1300 kertas itu seperti yang kita tahu itu ada dan tidak sampai sekitar tahun 1500 kertas gambar dibuat. Sebelum itu, konsep ‘sketsa’ atau gambar awal tidak ada. Seniman / pengrajin yang bekerja dari Byzantium hingga dunia abad pertengahan menghasilkan gambar untuk kemuliaan Tuhan, menggunakan konvensi yang didasarkan pada geometri sederhana, dan bekerja secara langsung ke papan atau perkamen yang disiapkan secara khusus, menggunakan copybook dan gambar yang dibawa turun melalui usia. Abad ke-15 adalah masa perubahan dramatis dengan dimulainya Renaissance. Penemuan kembali seni klasik, minat baru dalam sains, pengembangan perlindungan artistik, dan peran baru seniman sebagai profesi adalah faktor kunci yang mendorong ekspansi besar dalam konsep menggambar. Alih-alih menjadi keterampilan kerajinan, menggambar menjadi alat untuk menyelidiki dunia alami, dan yang paling penting cara seniman mengekspresikan pandangan mereka sendiri tentang dunia di sekitar mereka. Gambar menjadi alat untuk desain dan eksperimen, dan dengan munculnya sistem untuk menggambarkan dunia tiga dimensi: perspektif linear, kemudian di abad ke-15, batas-batas gambar meluas secara fenomenal. Leonardo Da Vinci dan Michelangelo mendorong gambar ke arah deskripsi dan visi alam, membedah tubuh untuk menyelidiki detail tulang dan otot di bawah kulit manusia. Brunelleschi menggunakan gambar untuk merancang arsitektur baru yang paling luar biasa, menggunakan sistem perspektif barunya, sementara seniman Renaissance Pisanello menciptakan gambar-gambar indah dari binatang yang berdiri di kanan mereka sendiri sebagai karya seni.
Pengenalan aturan dan pendekatan yang beragam
Pada tahap ketiga ini dalam sejarah menggambar, kita melihat pengenalan aturan untuk disiplin. Selama abad keenambelas dengan kebangkitan akademi, pelatihan menggambar menjadi kaku, dan seniman peserta pelatihan diminta untuk menyalin patung klasik dan karya seniman lain untuk belajar cara menggambar. Formula yang diresepkan untuk ekspresi wajah dan tubuh dan ‘aturan’ untuk menggambarkan orang sangat ketat dan dikendalikan oleh pertengahan abad ke-17, seperti yang dicontohkan di Akademi Prancis. Pada abad ke-18 terjadi pemberontakan melawan ketatnya akademi dan banyak seniman dengan antusias mengadopsi lisensi gaya yang lebih lembut dan lebih bebas yang disediakan oleh gerakan Romantis dalam seni. Pada abad ke-19 ada dua aliran praktik seni yang pasti, dicontohkan dalam gambar dan lukisan Ingres (karya klasik yang sangat dibuat-buat) dan Courbet: naturalistik, yang ingin menggambarkan realisme keras dunia dan bekerja langsung dari alam. Ini adalah awal dari langkah menuju diversifikasi yang jauh lebih besar dalam pendekatan menggambar, meskipun pendekatan akademi yang kaku bertahan hingga abad ke-20 bersamaan dengan banyak pendekatan yang lebih inovatif untuk menggambar (dan melukis).
Reformasi tidak merata tetapi gigih, pemisahan Wina mendorong beberapa reformasi dalam pelatihan seni: sepanjang kampanye Egon Schiele dan Gustav Klimt, yang karyanya yang menakjubkan masih populer hingga saat ini. Gambar-gambar keduanya sangat berbeda dari sekadar tentang pengamatan dan penyalinan. Gambar mereka adalah tentang ekspresi, perasaan, patologi pribadi. Pada saat ini, menggambar dapat digunakan untuk membantu ekspresi perasaan pribadi, atau memiliki berbagai tujuan lainnya. Penemuan dan penyebaran populer fotografi memiliki efek mendasar pada gambar seniman. Kebutuhan untuk menyalin ‘kenyataan’ telah berkurang, kamera dapat melakukan itu. Kaum impresionis khususnya bereksperimen dengan berbagai media gambar, yang sebelumnya disukai. Arang, tinta, grafit menjadi mata uang umum untuk menggambar. Sekarang kertas tersedia dalam ukuran yang jauh lebih besar, dan dengan munculnya abstraksi di awal abad ke-20, peran menggambar ditantang lagi, sehingga ‘pembuatan tanda’ dari segala jenis menjadi terhormat, dan proses menggambar menjadi sesuatu yang menarik, bukan hanya output.